Una Declaración Distorsionada

UNA DECLARACIÓN DISTORSIONADA

Henrietta Harris es una artista contemporánea que proviene de Auckland, Nueva Zelanda, quien tiene un estilo único y definido. Para esta ultima entrada, se escogió una de sus obras mas reconocidas llamada ‘Polo’ pintada con acuarelas.

En esta obra se identifica un solo personaje el cual se puede dividir en dos, la parte superior del cuerpo conformado por la cabeza y la parte inferior formado por el cuerpo. Lo que hace la diferencia entre ambas partes es el detalle que se le da a la cabeza en la expresión facial y la distorsión de la boca a diferencia de la simpleza de la polo del cuerpo. El personaje que se plasma en el retrato es una mujer de tez blanca, ojos rasgados de color café claro, cejas definidas y labios pintados de color rosa, mientras la vestimenta es de un color gris oscuro que hace contraste con los colores tenues del fondo y de la parte superior.

Elementos importantes que deben de ser resaltados son los colores y el contraste que hacen entre ellos, la línea, el énfasis, el movimiento y el balance. Los colores en este retrato son de suma importancia ya que se gracias a el contraste entre los tonos claros y los tonos oscuros se puede crear una diferencia muy grande entre la parte superior y la inferior. Los colores claros se encuentran en el fondo de color rosa pastel y en la piel de la mujer mientras que los tonos oscuros permanecen en la vestimenta de dicha mujer y en el cabello negro. Por otro lado se puede ver claramente que con la misma figura de este personaje se ve una línea vertical la cual representa fuerza y al mismo tiempo se hace una división haciendo la obra casi simétrica ya que por el movimiento de la boca, la obra esta cargada del lado derecho. También hay que recordar el punto de mas importancia que es el énfasis en la boca y la desfiguración en la cara. Esta alteración al rostro del personaje crea claramente movimiento en el retrato haciendo que el publico se enfoque en este movimiento, y puede ser clasificado como énfasis o el punto de mayor relevancia en la obra de arte.

La artista a lo largo de todas sus obras tiende a distorsionar de cierta manera los rostros de los personajes. Pero, ¿porqué la cara?. La cabeza y todos sus atributos, son la herramienta más usada del ser humano para recibir o emitir mensajes por medio de los sentidos. Es por eso que al analizar esta pintura se puede ver claramente como el cuerpo casi no tiene detalle cuando se compara con el nivel de exactitud de la cabeza junto con la alteración de el rostro y se da a entender que se deforma la manera en la que el ser humano se comunica y esto se debe gracias a los medios de comunicación, las normas sociales, instituciones religiosas y de mas que obligan al ser humano a cambiar o ‘distorsionar’ el mensaje/comunicado original.

Por ultimo, se puede concluir que esta obra es estéticamente valiosa ya que esta sustentada por dos teorías del arte: la teoría del formalismo por el nivel de detalle que se le da al retrato, haciendo referencia a la distorsión del rostro, y la teoría del emocionalismo ya que comunica una fuerte declaración socio-cultural.

Referencias:

http://henriettaharris.com/paintings-gallery/

"NEXTGEN: Henrietta Harris." The News NEXTGEN Henrietta Harris Comments. N.p., n.d. Web. 05 May 2014

Reflexiones

Durante este semestre aprendí a analizar críticamente una obra de arte. Sin importar si es una pintura, escultura, un poema o una obra de teatro, aprendí a interpretar y disfrutar del arte de una manera más profunda. Siempre supe que los colores de una pintura tienen un porqué, pero nunca había tenido la oportunidad de meterme tanto en alguna pintura y tomar en cuenta las líneas, espacios, balance y las tonalidades. Las esculturas que vimos en clase me impresionaron; el nivel de 'perfección' y lo apegado a la  realidad del cuerpo humano que adoptan. Leer y aprender del contexto histórico de cada obra de arte me ayudó a transportarme a épocas medievales y renacentistas. Asimismo pude observar el cambio del rol de la mujer a través de las épocas y la transformación de la visión del ser humano y los seres divinos.

A través de las visitas virtuales pude apreciar lugares hermosos y el arte que decora sus interiores a detalle y sin salir de mi casa. Disfruté mucho visitar museos y escribir sobre lo aprendido en un blog cada mes, pero lo que más disfruté fue leer Macbeth, una obra de teatro por William Shakespeare, a pesar de que no leo mucho y no suelo disfrutar los textos líricos, leer una obra de teatro posicionada en la época medieval que trata sobre reyes, asesinos y brujas me encantó. Aprendí mucho sobre trabajar en equipo e individualmente, a sacar provecho de los recursos aunque fueran algo limitados, como las visitas virtuales, y saber qué es importante de las exposiciones en los museos de las visitas culturales.

                                                                                 -Adriana Cadena

El arte de acuerdo a la real academia española, el arte es la manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. El arte es la comunicación que usa el ser humano para trasmitir ideas, sentimientos o simplemente plasmar de alguna manera una situación de acuerdo al contexto cultural. Lo que se me hizo mas interesante de la clase “Literatura Clásica y Apreciación del Arte” es que pudimos ver a lo largo de un semestre como el ser humano va evolucionando en todos los sentidos junto con la cultura y la manera de pensar y como estos cambios se pueden notar en el arte. Por un lado aprendí a analizar una obra de arte, algo que se puede usar para culturalizar a la sociedad un poco mas. Por otro lado es muy interesante porque a parte de ver como el mundo va cambiando histórica y  políticamente, también podemos apreciar el cambio del pensamiento humando plasmado en una obra de arte que puede tener valor sentimental muy alto. 

En lo personal, lo que mas me gustó de la clase es como con las herramientas y el conocimiento adquirido en la clase podemos identificar obras de arte valiosas y entender que la expresión ideológica y cultural del hombre va cambiando y es como un mundo completamente diferente al que nosotros pensábamos.
                                                                                -Patricia Handal                                          

La Dama del Armiño

"La Dama del Armiño"

La Dama del Armiño es una de las obras al óleo del artista Leonardo DaVinci pintado en una tabla con las medidas de 55x40 centímetros, actualmente en el museo Czartoryski, situado en Cracovia, Polonia. Esta obra es sencillamente un retrato de una mujer, la cual se llama Cecilia Gallerani quien fue amante de un duque de Milan, sosteniendo un armiño, aunque parece mas bien un tipo de hurón albino. Este retrato esta compuesto por tonos oscuros muy dominantes y opacos con el propósito de darle mas énfasis a los pocos tonos claros en la tes blanca de la mujer, aparte de el énfasis en la cara con los tonos claros también se usa el tono oscuro para hacer un cierto tipo de marco para que el espectador centre toda su atención en los detalles de la hermosa mujer. Por otro lado se pueden interpretar dos tipos de lineas, la linea horizontal con la mano acariciando el hurón que significa calma y la linea vertical de a mujer en sí para interpretar la fuerza en su ser, haciéndolo una pintura casi simétrica si no fuera que las miradas de ambos personajes están  ladeados a la derecha. Por otro lado podemos notar que mucho tiempo de estudio de la anatomía humana tiene sus beneficios ya que el retrato de la dama esta excelentemente proporcionado.

Después de haber analizado la obra de arte con la metodología de la critica del arte, la interpretación mas adecuada es que el artista quería retratar a la mujer en una postura natural con una expresión algo relajada y distraída ya que parece que su mirada esta fija en el horizonte o algún evento en particular. La obra de arte es bastante sencilla pero lo que la hace estéticamente valiosa es la técnica que DaVinci usa para jugar con la luz y formar sombras a parte de usar otro tipo de técnicas como el dramatismo que también usa en otras obras como lo es la 'Mona Lisa' para dar una separación entre el fondo y la figura principal que en este caso es la mujer, junto con el detalle que le da a las expresiones faciales, la vestimenta y el cuerpo del mamífero en su brazo.

La Creación de Adán

"La Creación de Adán"

La “Creación de Adán” es un fresco realizado por el artista  Miguel Angel en la época del renacimiento. Esta obra de arte fue un encargo del papa para la Capilla Sixtina en la ciudad del Vaticano, Italia, en donde permanece actualmente. El fresco es una representación de cómo el mundo divino tiene contacto con el mundo mortal a través de un toque y como Dios le dio vida a la tierra y a los humanos, es por eso que se llama la creación de Adán. Para analizarlo e interpretarlo mejor, usamos la metodología de la critica del arte. En esta obra se pueden apreciar los tonos opacos y la diferencia de tonos oscuros cargados a la derecha contra los tonos claros cargados del lado izquierdo así creando una línea diagonal que divide ambos lados dando una impresión de tensión entre ambos lados. También se puede distinguir que  la proporción de los cuerpos es equitativo y como es en fresco le da la impresión de una textura que no es completamente uniforme. Por ultimo el punto de fuga se identificó en donde los dedos de ambos personajes principales casi tocan haciéndolo también una obra casi simétrica. Después de haberlo analizado de acuerdo con los elementos & principios del arte, la interpretación que podemos darle a la obra es de cómo el creador, en este caso Dios como personaje principal, se esforzó por hacer a Adán en la tierra y es por eso que las expresiones faciales de ambos son tan expresivas tanto la del creador con el cansancio & esfuerzo como la de el creado con la calma & la serenidad. También se puede interpretar la creación del hombre por medio de la religión católica en el arte renacentista. Por ultimo esta obra es estéticamente valiosa por lo cual puede ser sustentado más que nada con las teorías del imitacionalismo y el formalismo ya que tiene una organización efectiva a través de los elementos 6 principios del arte y es una representación realista desde el punto de vista cristiano.

El Sarcófago de Tutankamón

"El Sarcófago de Tutankamón"

En el Museo del Noreste, mejor conocido como MUNE, estaba la exposición temporal llamada “Tutankamón: La tumba, el oro y la maldición” en donde se mostraban mas de 150 objetos artísticos como lo eran replicas de estatuas originales, pinturas, elementos arqueológicos, pinturas así como también el objetos de gran importancia en ese tiempo. esta exposición fue creada por artistas contemporáneos de Italia, Las cuales usaron las mismas técnicas para recrear estos objetos históricos teniendo de inspiración las estatuas originales en el museo El Cairo.. En el piso designado para la exposición había una cantidad de objetos bastante variado pero lo que mas nos gustó fue el Sarcófago de Tutankamón que estaba situado en la última sala de la exposición. esta representación fue la que mas nos llamó la atención por el grado de precisión y detalle de la obra, tomando en cuenta también el tamaño dando una impresión de grandeza y poder. después de analizar la obra artística del sarcófago, llegamos a la conclusión de que el sarcófago representa calma por la posición horizontal razonado por la postura del difunto, que ya descansa en paz después de una vida entera de fuerza y tensión. la obra se construyó de forma simétrica ya que si se parte a la mitad, se crean dos pedazos completamente iguales, la superficie es suave y lisa por el material con el cual esta construido, sin contemplar las incrustaciones de piedras preciosas y por ultimo el tamaño de las partes del cuerpo van desacuerdo a la proporción de la estatua. Por otro lado, para entender mejor, investigamos que Howard Carter fue el que descubrió el sarcófago de oro macizo (110kg) junto con otras reliquias en la cámara sepulcral. este hallazgo fue de gran importancia ya que gracias a esto se pudieron hacer conexiones en la historia de grandes civilizaciones como la egipcia y poder entender más la vida de este faraón. Para terminar.  creemos que para poder analizar a fondo esta estatua junto con el resto de la exhibición es necesario hacer ambas metodologías, tanto la critica como la histórica porque presenta cualidades para hacer las dos.

Orfa Alarcón

"Orfa Alarcón"

La escritora Mexicana, Orfa Alarcón, vino al la prepa tec CSC a dar unas platicas muy interesantes el Viernes 28 de Marzo. El evento trataba de preguntas y respuestas correspondientes a su vida profesional en donde los alumnos mas que nada preguntaban sobre su vida profesional, sus libros y algunos obstáculos.

Cuando habló sobre su vida profesional nos contó que de acuerdo a lo que le contaba a su madre, el talento lo descubrió cuando tenia 18 años al hacer historias sencillas, después de eso estudió Letras Españolas y empezó a escribir a partir de la inspiración que le surge de las noticias, el cine, música y su nuevo hobby, rescatar animales. En seguida un compañero le preguntó cuales eran sus planes en el futuro y ella contestó que actualmente estaba trabajando en dos proyectos, uno de los cuales es la continuación de “Perra Brava”, libro exitoso de la escritora, y otra novela juvenil.

Después nos platicó sobre sus dos libros mas exitosos los cuales son “Perra Brava” como se mencionó anteriormente y “Bitch Doll”. El primer libro trata de una adolecente que conoce y se empieza a relacionar con un chavo y descubre que es un sicario pero lo descubre muy tarde ya que en ese momento ya estaba bastante metida en la relación, de ese momento en adelante este personaje va cambiando por el tipo de ambiente. En lo que esta novela se quiere fijar es en una historia de amor muy genuina sin establecer juicios morales hasta que explota porque los dos personajes principales son de carácter fuerte, a pesar de la situación de vida. La transformación que la adolecente presenta es impactante ya que ella buscaba siempre una cosa y lo encuentra al final pero lo encuentra en algo muy terrible. Eso fue todo lo que Alarcón nos dijo para no arruinar el final. Después habló sobre “Bitch Doll” que trata sobre otra adolecente muy observadora que inventa un comic para criticar a las personas de su colegio, este comic termina saliéndose mucho de control hasta que sus compañeros descubren que ella es la que hace los comics. En la historia se presenta como era la adolecente en un principio y como su personalidad va cambiando a través de los sucesos de la historia. Algo muy interesante que comentaba un compañero durante la sesión de preguntas es que en los dos libros los personajes principales muestran un cambio de personalidad por los hechos que se presentan en las historias.

Por ultimo Alarcón nos platicó un poco de cómo su obstáculo mas grande era tener “writer’s block” pero para salir de ese obstáculo trata de continuar/ terminar otros capítulos en su historia ya que es muy difícil hacer una historia cronológicamente.

En lo personal pensamos que esta sesión de preguntas y respuestas fue muy entretenido y también interesante ya que pudimos interactuar y entender a una persona que escribe libros que tienen éxito y es contemporánea a la vez ya que estamos acostumbrados a leer y analizar textos de autores que no son mucho de nuestra época o nos centramos en los clásicos y no en los modernos.

Vitrales

Durante la edad media, el uso de vitrales en la arquitectura tenía un papel muy importante, pues el juego de luz y color le daban a los edificios, no sólo una decoración colorida y luminosa, sino que expresaban ideas.

Sobre el portal central de la catedral de Notre Dame en París, destaca un gran vitral circular de casi 10 metros de diámetro. Éste no es el más grande de la catedral, pues se encuentran unos vitrales que miden 13 metros de diámetro, sin embargo, sus colores brillantes, su simetría y enfoque al centro son muy llamativos. Muestra cualidades referentes al arte bizantino, sin embargo, está representada en una catedral gótica.

Las figuras externas, también en formas circulares, representan cada una, un pasaje bíblico. Éstas apuntan hacia la virgen María en el centro, lo que nos llevan a pensar que este vitral funge como símbolo de la devoción Mariana. Su abundante color azul representa el cielo y la divinidad. Estos dos elementos en conjunto demuestran la gran importancia que tenía la religión en la época medieval. La arquitectura medieval era decorada con elementos religiosos desde su construcción, además de ser decorada posteriormente con pinturas o esculturas.

A pesar de que la obra no es muy realista, posee gran valor emocional, pues transmite la gran devoción hacia María que existía en la época medieval. Asimismo, el uso de vitrales medievales influencian la arquitectura moderna, sobre todo en iglesias y catedrales, donde es más común ver vitrales coloridos, con temas religiosos.

El Juicio Final

Durante la edad media, el arte también tenia sus subgéneros dentro de los cuales destacaban las pinturas al fresco, lo que significa pinturas que se hacen en paredes y techos con colores disueltos en agua y cal y extendidos sobre una capa de estuco fresco, según la Real Academia Española. Una de las obras de arte que mas destacaron dentro de este genero en esta época fue nombrado "El Juicio Final" por el artista Pietro Cavallini. la obra de arte fue hecha en el año 1290 y actualmente se encuentra en la Iglesia de Santa Cecilia del Trastévere en Roma, Italia. Esta obra tiene mucho material para analizar como el momento histórico, el hecho de que es considerada la obra maestra de Cavallini, o que es el ejemplo perfecto de el naturalismo romano, pero lo que mas nos llamó la atención fueron las teorías del arte que aborda el fresco. 

La imagen esta actualmente dañada por el tiempo y las condiciones en las que se encuentra no permite analizarlo por completo pero se da la clara representación de 4 figuras divinas con aureolas en las cabezas y cierto tipo de armas, donde parece que esperan el juicio de alguien para poder cumplir algún tipo de sentencia. los colores son mas oscuros y fríos porque la mayoría son de color azul o cálidos (muy pocos) dorado en las aureolas. es muy bueno el cambio drástico de colores en los objetos para diferenciar y dar énfasis en las partes importantes. también se pueden identificar claramente 2 tipos de lineas: rectas en los cuerpos y las sillas representando la fuerza y las diagonales en las armas representando tensión, de esta manera también se le identifico  como una obra semi-simetrico ya que todos los objetos están perfectamente proporcionados en el espacio. como ultimo aspecto artístico importante, se puede distinguir la profundidad y graduación gracias a los tonos de blanco y negro en la vestimenta de las personas.  

cuando terminamos de analizar la obra llegamos a la conclusión de que esta obra de arte causó una impresión fuerte en nosotras por medio del emocionalismo por las cualidades expresivas dando a entender la desesperación y los sentimientos de los protagonistas de la obra.esto hace que la obra llegue a un estado de valor artístico ya que la representación de los personajes divinos esperando el juicio final. el mensaje de la obra es expresar por este medio la representación de la vida y como se percibía la religión en las personas del pueblo. 

Visita cultural

Este parcial asistimos al museo MARCO a la exposición de Óscar Muñoz en donde expusieron algunas piezas de arte incluyendo una serie de retratos que nos llamaron mucho la atención. El encargado de esta exposición es el museo que exhibe el arte de Oscar Muñoz. Esta exposición incluía arte con elementos extraordinarios, fuera de lo normal como por ejemplo, recortes de fotografías, negativos, carboncillo, papel quemado, cubos de azúcar, entre otros. Algunos de éstos eran kinestésicos.

                                                       

 “El Juego de las Probabilidades”, 2007      “Juliana” (de la Serie “Pixeles”) 1999-2009

De todos los retratos de la exposición, nos gustó más uno llamado “Mientras Respiro” el cual emplea la técnica de pequeños hoyos con aureola marrón en el papel hechos con lo que creemos que son cigarrillos, pues es parte del concepto de la obra, la cual muestra a un hombre fumando, precisamente, un cigarrillo.

“Mientras Respiro”, 2004

Las características artísticas que se presentaron fueron muy variadas ya que cada obra de arte en la exposición utilizaba características diferentes y esto es lo que creaba una sensación de versatilidad y variación en el estilo general de la exposición en sí.

En general, las obras expuestas en el museo forman parte del arte experimental. A pesar de que los retratos no son muy coloridos, pues son en blanco y negro o sepia, la mayoría, es muy placentero al ojo por las técnicas que utiliza el artista. Todos los elementos de la exposición son retratos, y cada imagen expresa sentimientos diferentes; una mujer llorando, un hombre fumando, rostros con facciones intercambiadas.

Después de analizar todos los retratos, llegamos a la conclusión de que la mejor metodología que se puede usar es la crítica del arte ya que no se tiene la información necesaria para poder usar la historia del arte. de esta manera tambiénn podemos llegar a la conclusión que todas las obras de arte son realistas con tonos de colores más oscuros y neutrales dejando a los espectadores más para analizar los detalles de dichos retratos. en si, las obras no son estéticamente valiosas ya que no se le puede poner un valor agregado simplemente por ser el producto de los sentimientos del artista, por eso se consideran estas obras como arte del emocionalismo. es considerado emocionalismo porque estos retratos causaron sentimientos y emociones mayores en nosotras cuando tratamos de interpretar lo que el artista quería decir.